CHRONIQUE / REVIEW

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2 of 2 - By Alain Massard

BLANK MANUSKRIPT est un groupe autrichien ayant commencé à composer en 2007, finalisant ici son 3e opus. Le titre signifie « belle montagne », écrit dans le village éponyme tchèque, l’album parlant lui de la dure condition humaine à cette époque de la société; chaque titre va essayer de transcrire en son, en musique ce fait. Ce groupe est hors norme, un groupe laboratoire, disons-le de suite avec des raccords symphoniques, des ambiances au climat sain le tout déchiré par des riffs provenant de cuivres par instant et agrémentées de sons psychédéliques, structures polyphoniques denses à la clé; BLANK MANUSKRIPT fait bien de l’art-rock et produit ici un album concept sous toutes ses formes; Les références égrenées lors de la critique des morceaux ne sont que partielle et éphémère, le son propre du groupe étant trop complexe pour être juste raccroché à une étiquette de groupe ancien même si celui-ci vaut son pesant d’or. A noter aussi le côté art-baroque pour son maquillage et son effort de travail de sa scène. Glissons-nous dans ses voluptés, c’est parti.

« Overture » débute par un air-trip (titre musical avec plein de souvenirs qui suintent, excusez ça vient de moi!) flirtant dangereusement avec la grande période psyché des PINK FLOYD, l’orgue tenant la dragée haute à la batterie, l’air de la guitare sombre, puis l’arpège de piano amenant un air solennel du plus bel effet et les réminiscences musicales atteignent leur paroxysme avec l’apport du sax et une pointe du KING CRIMSON; la voix arrive douce pour calmer un peu les similitudes; « Fœtus » enchaîne par une intro déroutante sombre, jouant sur l’enregistrement; on se croirait retourné dans le passé avec une bande coincée dans le magnétophone! On peut aussi imaginer tout simplement le son provenant de l’intérieur! La montée en crescendo symbolise la sortie difficile de l’accouchement, un titre onirique, intimiste et expulsif. « Achluphobia » ,3e titre enchaîné, vient jouer sur les peurs et autres terreurs que l’enfant que nous sommes avons pu vivre; l’ambiance est purement jazz-fusion intimiste avec une touche Canterbury, on est à la limite de l’expérimental comme aux grandes heures du prog des 70’s, KING CRIMSON et PINK FLOYD ne sont pas loin, j’ai même cru entendre un peu d’AL DI MEOLA; la dernière partie de cette pièce vaut le détour pour l’air de toute beauté qui s’en dégage, ça monte en volume, en intensité, Steve WILSON aimerait à mon sens; les 3 dernières minutes sont dangereuses pour l’air qui s’en dégage et risque de rester dans votre tête; une pièce à réécouter pour parvenir à la dompter un petit peu, une pièce progressiste majeure que les puristes des 70s vont faire tourner en boucle. « Pressure of Pride » avec son saxo limite doux-discordant vient indiquer la colère, l’insatisfaction d’essayer de se faufiler dans la vie active; clin d’œil à mon avis sur PANZERBALLETT.

« Shared Isolation » pour la 2e partie de l’album et l’un des problèmes de notre société, la communication ou plutôt son absence directe et son isolement, un titre déroutant de par ses circonvolutions entre le GENESIS Hackettien et KING CRIMSON, ça part sur de l’opéra rock « Starmania » (selon ma femme que je m’étais promis d’inclure dans une chronique, perso j’y voyais plus la BOF de la série française « Vidocq » comme quoi la musique peut faire voyager loin!) partie musicale puis une recherche d’arpèges de guitare fruitée, de synthés vintage sombres et de cordes saturées et discordantes, puis climat spacerock « Meddle » et « Atom heart mother »; son provenant des entrailles des artistes qui parviennent à ressortir des mélodies des dinosaures enfouies dans leurs substances grises en les imprégnant de leurs émotions personnelles. « Alone at the Institution » arrive à ce moment, ambiance un peu nipponne, jazz festif sur connotation PANZERBALLETT à mon sens, puis jazz manouche, jazz charleston, titre plus compliqué personnellement lorsqu’on connait mon aversion pour les cuivres! C’est incisif, agressif, je n’y peux rien, même si cela est censé représenter le combat pour lutter contre la solitude. La 2e partie avec un air limite pompeux, grandiloquent, plus calme, plus spleen renvoie à du KING CRIMSON quelque part, la guitare et la voix s’associent alors à merveille. « Silent Departure » pour une ballade, une comptine au violon qui fait le plus grand bien. « The Last Journey » comme un hymne à la Vie avec chœurs, rythme jouissif, endiablé, mélangeant un air que je pense retrouver sur « The Fountain of Salmacis » à certains moments; une envolée musicale définissant aussi l’envol vers l’au-delà que nous devons franchir seuls. La fin me ramène aussi aux notes magiques et intenses de Mike OLDFIELD comme sur « Hergest Ridge » que je mettais en crèche pour faire dormir mes petits anges, un signe qui me rappelle lui le film culte « 2001, Odyssée de l’Espace », après la vie, il y a peut-être autre chose, même là-haut.

Pour mettre quelques mots, je dirai en fin de compte que ces cinq musiciens sont arrivés à créer avec cet album un concept nouveau, celui d’avaler la musique d’avant, de la digérer, puis de la recracher sur une partition afin d’en jouer les notes transformées. Cela permet de pouvoir écouter un son nouveau avec des bribes de sons anciens sans qu’il n’y ait trop de ressemblance ou de « copié /collé. Cela permet aussi d’unifier l’un des grands mouvements musicaux restant en retrait, le jazz, avec le rock pour en sortir cet album novateur.